entrevista: RIDDIM

Nos une el amor a la música

Riddim está integrado por: Pety: Voz, Fernando Deaño: Guitarra y coros, Federico Echeverría: Bajo, Tony Iribarne: Batería, Ariel Villanueva: Guitarra y coros, Andrés Castro: Teclados, Matías Traut: Trombón y coros, Gabriel Vanasco: Saxo tenor y coros y Marcelo Castagna: Trompeta

Riddim nació en Febrero de 1996. Es una banda de 9 integrantes influenciados por el sonido jamaiquino e inglés del reggae de los años 70/80, el significado del nombre Riddim se debe al patrón rítmico que forman el bajo y la batería, donde se suman los demás instrumentos en la música reggae.
Desde sus comienzos la banda intercala covers clásicos jamaiquinos a su lista de temas en vivo, canciones de Burning Spear, Aswad, Steel Pulse, Dennis Brown, Mikey Dread, Israel Vibration, Luciano, Bob Marley entre otros, pueden disfrutarse en sus shows.
En su primer trabajo discográfico, la banda cuenta con la participación del poeta dub rastafari Benjamín Zephaniah, la combinación de este mundialmente conocido artista ha dejado como resultado la primer poesía dub grabada en Argentina: el tema “Truth Revolution” (Roots riddim reggae – 2000). La experiencia se repite en el 2002, esta vez con 2 temas más de Zephaniah en el album Remando.
Riddim ha oficiado de “backing band” a Benjamín Zephaniah en sus visitas al país y además junto a una leyenda viva del reggae mundial: Michael Campbell,
aka Mikey Dread. Este talentoso productor, dj y cantante ha elegido a la banda para grabar un album que en un futuro cercano formará parte del catálogo del sello Dread at the Controls, propietario de Mikey Dread.
La banda pudo telonear a algunos de los grandes artistas del reggae mundial que han visitado Argentina: The Wailers, Yellowman & Sagitarious Band, Mikey Dread, Andrew Tosh, Junior Marvin, Tribo de Jah, y la Fully Fullwood band. La banda ha tocado el tema “Your house” de Steel Pulse junto a Drummie Zeb (baterista de los Wailers) en una importante radio de Buenos Aires.

Hasta el presente los trabajos realizados fueron: Roots Riddim Reggae (2000), Remando (2002). Remando Dub (2004), Buenas noticias (2005), Preparen... Apunten... Fuego! (2007) y Donde brilla el sol (2009).

Tuvimos la oportunidad de establecer una charla con FEDE ECHEVERRÍA, bajista de la banda, de ese encuentro es que nace esta entrevista.

CelinaVive!: Tengo la costumbre de comenzar hablando de la infancia, el lugar que nos marca para siempre, en dónde pasaste tu infancia? Qué recuerdos llegan de ese lugar? Y qué cosas pegaron de manera que hoy se siguen reflejando?

Fede Echeverría: “En mi casa siempre hubo música, mi papá era folklorista, y siempre tengo el recuerdo de escucharlo cantar y tocar el bombo. Creo que eso me marcó, es algo que se sigue reflejando en mi vida, que es poder subirse a un escenario todos los fines de semana”.

Celina Vive!: Por qué el nombre de la banda?

Fede Echeverría: “El "Riddim" en la música reggae, es el patrón rítmico que forma la batería y el bajo, que sirven de base para los demás instrumentos. Sería la locomotora que mueve el tren. Por eso tomamos el nombre, ya que es algo muy característico del estilo, que tratamos de respetar”.

Celina Vive!: Cuáles son las influencias?

Fede Echeverría: “Las influencias son el reggae de los años 70 y 80, de Jamaica y de Inglaterra. Bandas como Israel vibration, Burning Spear, Steel Pulse, Bob Marley, Aswad, Dennis Brown, por nombrar algunos”.

Celina Vive!: De qué barrio son? Cuál es el lugar de encuentro de la banda?

Fede Echeverría: “No somos una banda típica de barrio, somos todos de distintos lugares. Nos une el amor a la música que hacemos, no una localidad. El punto de encuentro por lo general es en capital, pero por una cuestión de que la sala de ensayo esta ubicada ahí, o para fijar un punto de partida cuando tenemos giras o algún show”.

Celina vive!: Haciendo referencia al título del último CD “Donde brilla el sol”, cerca del sol, el sol como estrella que calienta los lugares más ocultos, el sol que enriquece hasta el alma, nuestro interior... Se busca al sol cómo se busca al amor?

Fede Echeverría: “El sol es un símbolo positivo, sin sol no tendríamos vida en la tierra. Y el amor es una fuente de energía para el corazón, Te podría decir que tanto sin sol como sin amor no se puede vivir”.

Celina Vive!: Están catalogados, aunque las etiquetas a veces incomodan, como una de las mejores bandas de Reggae del país. Qué piensan uds. de eso?

Fede Echeverría: “Si esa es la etiqueta, no nos incomoda para nada (risas), al contrario, es un orgullo. Si bien hoy en día hay muchas bandas nuevas dando vueltas, cada vez con mejor nivel comparado con los tiempos en que Riddim empezó a tocar, supongo que la gente debe valorar la trayectoria de la banda, y que tratamos de respetar el estilo original, por eso los amantes del reggae se deben sentir atraídos por la banda”.

Celina Vive!: Cuál es el paso a seguir después de haber tenido un CD y un tema como “Tu amor” con tanto éxito, primero en algunos puestos... Cómo se sigue después de una buena llegada a tanta gente?

Fede Echeverría: “Y nosotros seguimos como siempre, la esencia de la banda nunca cambió. No tenemos una formula, ni para componer ni para manejarnos. Tratamos de tocar todo lo que se pueda, en el interior del país, capital, y seguir sumando lugares. Y haciendo más música. Si te fijás, ninguno de los discos de Riddim se parecen entre si”.

Celina Vive!: Hablamos de planes futuros?

Fede Echeverría: “Acabamos de presentar el disco oficialmente en la Trastienda. En un futuro cercano vamos a seguir con la grabación del próximo disco, como verás, nunca paramos de hacer cosas”.

Entrevista: Carlos Romano

Fotografías: Gentileza Riddim

Entrevista: RICARDO CELMA

“Antes del fin de la pintura”

“Quizás es cierto y tengan razón los críticos y puede que los pintores solo seamos sombras de un arte ya muerto, pero mientras sienta esa necesidad de agarrar un pincel y olvidarme del mundo, sus problemas y sus miedos y solamente hundirme en pensamientos que se transforman en colores e imágenes, voy a seguir disfrutando , pintando tanto, antes del fin…” Ricardo Celma

Ricardo Celma, nace en Buenos Aires en 1975, su vocación artística surge inmediatamente, así a los 5 años ya concurría a un taller de plástica, y lo hizo ininterrumpidamente por 20 años, fue alumno de Susana Mármol, Marcelo Plaza, José Alberto Marchi, Claudio Barragán, Julio Barragán, Carlos Fels, Alejandro Boim.
Realizó además conferencias y cursos breves con personalidades como Keneth Kemble, Pérez Celis, Ricardo Carpani, Jorge Abot, Dalmiro Sáenz, R. Crosatto, y en diferentes viajes se conectó con los talleres de Alessandro Kokosinsky (Roma), Antonio López (Madrid), Waldo Saavedra (Cuba), Raúl Anguiano (Guadalajara).
La obra de Ricardo Celma la podemos englobar dentro de la pintura hiperrealista. Sus cuadros nos invitan a adentrarnos en un mundo que se mueve entre lo místico y lo carnal. Hay cierta religiosidad fundida con un entorno erótico que nos transporta a un mundo bello e inquietante a la vez. Ricardo juega con elementos clásicos y contemporáneos introduciéndonos en una dimensión donde se difuminan las fronteras que consciente e inconscientemente va creando. También destaca la luz en sus obras incluso cuando éstas se encuentran sumidas en pasajes oscuros.

La figura humana por sobre todo elemento metafórico. La figura humana en Celma es poesía, música y paisaje en primer plano, después, todo lo demás: las técnicas, el equilibrio, el color, la composición, etc. Sus rostros de miradas transparentes dejan ver un mundo de ilusión, de deseo, la óptica de un mundo sin violencia. Por eso mismo me animo a decir que Celma navega por los caminos de la paz, una paz interior y exterior, en el sentido más puro.

Enemigo de los lenguajes herméticos que en el siglo XX “anularon el nexo con el espectador”, más allá de toda moda o “disparate” que, hoy día es presentado como el “nuevo arte”, Celma reflexiona y dice: “Cuantas veces leí y escuché, que el arte había muerto, que la pintura de caballete ya no tenia sentido, cuantas veces a los artistas que tratamos de seguir un oficio y reverenciamos las técnicas de nuestros maestros nos rechazan de todo evento artístico novedoso o vanguardista, pero ¿hay algo mas novedoso para estos tiempos que vivimos que este tipo de pintura? en una época donde todo es vorágine y vértigo, el arte te obliga a contemplar; en un tiempo donde todo se acelera, el arte te lleva a respirar profundo y tener objetivos pensados con tiempo; ahora que todo es virtual ingrávido inmaterial, el arte te hace sentir las texturas, ahora que la tecnología avanza aplastando todo lo anterior, para hacer este arte necesitas solo de un pedazo de carbón como hace 12000 años”.

Comenzábamos hablando de Pérez Celis, los dos coincidíamos en la grandeza del artista... Y, no tenía intención de comenzar por esta pregunta, pero surgió naturalmente, ¿Quién crees vos que maneja el arte en nuestro país, como para no reconocer a un artista como Pérez Celis?, nunca tuvo un merecido homenaje...

RC: “Hay distintos sectores del arte, están los que manejan el mercado, los que manejan al artista, el ejemplo de Pérez Celis que no tuvo esa obsecuencia con los críticos... Hoy la figura del “curador” es una figura muy importante, las grandes galerías son otra corporación que suben y bajan artistas, pero también está la gente, se puede entrar por ese lado y estar en el mercado y manejar el arte desde ese lugar, más comercial o con más llegada, ejemplos como Quinquela Martín, Pérez Celis, artistas que manejaron el arte desde otro lugar, con un contacto directo... Hoy el arte se maneja como cualquier otro mercado, por intereses económicos, la figura del “curador” muchas veces es más importante que el artista mismo, el curador es el que decide si vale o no, cómo y dónde se pone, y esto le saca fuerza al artista, desde ya que estoy en contra de todo esto, trato de manejarme con total libertad, y esto tiene su pro y su contra, te ponen y te sacan espacios... A mí hace unos años que me rechazan de ArteBA, no les sirve el arte que llega a la gente, les sirve el arte encriptado, el arte que necesita de la figura del curador para ser explicado a los otros, el curador decide con el coleccionista a donde hay que invertir...”.

Podíamos hablar del arte con “intermediarios”, entonces.

RC: “Por supuesto, arte que no tiene llegada, por eso mismo trato de participar en todo evento masivo, hace cuatro años que estoy en la tele haciendo cosas sin cobrar nada, nada le puede pasar mejor al arte que volverse popular y masivo. Se volvió una cosa tan de “elite” que inclusive la gente le tiene miedo, vos le preguntás a una persona común si le gusta lo que hacés y te mira con pánico y te dice que no entiende de arte, ¿y qué? Le metieron mucho miedo a la pintura... Quiero volver al artista que se esfuerce por llegar al público, que la obra emocione directamente, claramente, después adentro se pueden meter un montón de lenguajes más complejos, conceptuales, un arte para todos, más democrático si se quiere...”

Tengo la costumbre de comenzar por la infancia, esa etapa que nos marca para siempre, ésta tendría que haber sido la primera pregunta

RC: “La pintura siempre estuvo, mis primeros recuerdos son verlo a Berni, vivía a dos casas de la mía, en la calle Léxica, nosotros somos siete hermanos, no había demasiados recursos para salir a pasear, y mi papá nos sacaba a ver el tren como un entretenimiento, y ahí estaba Berni con sus cuadros secándose al sol... Tenía 4 años y asistí a una inauguración en la galería de la calle Gazcón, eso me ha marcado muchísimo, a los 5 años me mandaron a un taller porque vieron en mí cierta facilidad, a los 6 ya iba al taller de Marchi...”

Por lo que veo lo de Berni te marcó profundamente

RC: “No me di cuenta hasta crecer, hoy viéndolo a la distancia lo reconozco. Siempre desde chico dije que iba a ser pintor, a los 11 años hice una muestra y vendí un dibujo, ese dibujo me compró un reloj, no podía parar de hacerlo, a los 16 años hice una muestra individual más grande, no me imaginaba haciendo otra cosa, nunca hubo dudas y eso es fundamental. Esta es una profesión muy difícil, en el sentido que nunca hay una certeza, no importaba de qué manera, pero tenía muy en claro que iba a ser pintor...”

La figura humana, siempre como un símbolo en tus cuadros...

RC: “Todo lo que sucede lo paso por el cuerpo de una persona... Eso se da mucho en el siglo XIX, siempre lo pienso desde ese lugar, hasta cuando pinto un paisaje...”

¿Y tu mujer es la modelo?

RC: “Estuvo mucho tiempo como modelo, pero ahora ya no lo es, fue mucho el tiempo que estuvo posando, ahora se tomó un descanso...”

Algunos títulos de tus obras están vinculados a la música, más precisamente con el rock argentino, la poesía del rock sumergida en tus trabajos

RC: “Están Charly, Cerati, Spinetta... Eso tiene que ver con lo que me está pasando, el año pasado estuve leyendo mucha literatura japonesa y los títulos tenían que ver con eso... Lo que me acompaña mientras pinto es la música, el tema se visualiza... Relacionado a lo que digo nació un proyecto que se llamó “Sinfonía en 3 movimientos”, tres pintores nos unimos y llevamos ese proyecto a Holanda... A mí me gusta tocar el piano, soy muy malo pero le pego al piano y se deja, no saber correr (RISAS), nos juntamos los tres músicos y pintores e hicimos una armonía pictórica, hecha entre los tres, la música traducida en imágenes, por suerte este evento tuvo cierta resonancia en Holanda...”

¿Podríamos hablar de tus referentes, de tus maestros?

RC: “Sin duda José Alberto Marchi, Alejandro Boim, Carlos Alonso, me parece genial su compromiso social, Pérez Celis, como persona, como embajador de la pintura, Claudio Barragán, todos estos son padres, tíos artísticos...”

Cerraste el 2010 con una importante exposición en Zurbarán ¿Cuáles serían los proyectos para este año?

RC: “Hay muchos, por suerte, pero podría hablarte de Tailandia, Indonesia, Tokio por segunda vez, diferentes ferias de New York, Holanda, México, Perú, mucho más de lo que puedo producir... La prioridad la tiene Zurbarán, siento que mis cuadros están cómodos ahí... En el mercado del arte me va bien a pesar mío, porque suelo hacer tonterías, regalar obras, meterme en proyectos que no reditúan pero enriquecen...”

Una cosa son los proyectos y otra muy distinta son los deseos ¿Cuáles serían los tuyos para este 2011?

RC: “En lo personal, estoy viviendo un momento fantástico, poder seguir pintando en este ambiente me hace feliz, hago lo que me gusta y como me gusta... Y a la gente le deseo que le pase lo mismo, que pueda ponerse un sueño y que suceda, en cualquier rubro...”

Entrevistó: Carlos Romano

Fotos: Romano

entrevista: Lino Pujia presentó LA MUESTRA, una película “familiar”

La película LA MUESTRA de Lino Pujia sobre su padre, el artista plástico Antonio Pujia, se presentó el mes pasado en el 34º Festival de Cleveland en Estados Unidos, al mismo tiempo que fue estrenada aquí en Buenos Aires, en el cine Gaumont de Capital.
Para darle una idea al lector de qué se trata LA MUESTRA podríamos decir: Antonio Pujia, un famoso escultor, se siente desplazado por la modernidad. Trabaja solo en su taller intentando realizar una muestra ante la indiferencia del medio.
Susana, su mujer, preocupada por esta situación y el estado anímico de su marido, pide ayuda a sus hijos, quiénes lo sacan a pasear sin ningún éxito. Bianca, su nieta, propone realizar la muestra en un esfuerzo conjunto familiar.
Susana y sus hijos intentan llevar adelante la empresa pero esto va desgastando las relaciones familiares. Antonio, al enterarse del esfuerzo de los suyos, se une con alegría y comienza un retrato de su nieta. Pero la familia, ya desgastada por la indiferencia del medio, está a punto de darle la noticia de la baja del proyecto cuando aparece un museo que apoya la gestión. Este hecho reanuda la compleja puesta en escena familiar que culmina en la resolución de los conflictos interpersonales y en la concreción de la esperada muestra.

FICHA TÉCNICA: Elenco: Antonio Pujia, Susana Niccolai, Sandro Pujia, Lino Pujia, Marta Loayza, Montaje: Sebastián Carreras, Fotografía: Lino Pujia, Cámara: Nicolás Miranda, Sonido: Lionel Braverman, Guión: Nicolás Carreras, Sebastián Carreras, Lino Pujia, Dirección y Producción: Lino Pujia, Música:Gioachino Rossini, Ruggero Leoncavallo, Claudio Monteverdi, Arnold Schönberg, Georges Bizet.

Lino Pujia estudió dirección de puesta en escena para Opera en el Instituto del Teatro Colón, y dirección cinematográfica en la F.U.C. (Fundación Universidad del Cine).
Ha trabajado como asistente de dirección escénica en los teatros Colón, Argentino de la Plata, Bonn (Alemania) y Zurich (Suiza), entre otros; con personalidades como Plácido Domingo, R. Raimondi, S. Milnes, M. Freni, L. Nucci, H. Prine, L. Cavani, E. Frigerio, F. Squarciappino y D.Ferreti, entre otros. Habiendo dirigido las operas “Il campanello” y “Tinke Tinke” en el TMGSM.
En teatro ha trabajado como asistente en los espectáculos UORC de la Organización Negra (hoy De la Guarda) y Fausto.
En TV ha dirigido conciertos, operas y ballets, y los programas “Unicine”, “Cortocircuito” y “Clack” para Canal (á), “In motion” para DirecTV y “Punto de Encuentro” y “Termómetro” para CVI.
En cine trabajó en los rubros de producción y dirección en “Argentina es Tango”, “Gatica”, “Esperando al Mesías” y el documental para la London Weekend TV, sobre José Cura.
Realizó numerosos cortos e institucionales, entre ellos “Fundación cardiológica argentina” y “Tango Eterno”, seleccionado para los festivales de New York, Chicago, Madrid y la apertura del festival de Biarritz. En 1996 estrena el documental “El Santo del Pueblo” filmado entre Italia y Argentina participando en festivales de las ciudades de Londres, Trieste, México, Guadalajara, San Pablo, Santiago de Chile, Bogotá y Tandil, entre otras.
Ha sido becado por el Gobierno francés para realizar intercambios culturales con la Argentina y por la IFS de Bonn, y también ha sido invitado a participar del Festival Richard Wagner en Bayreuth y del festival de cine de Fribourg como asesor.
FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR: La Muestra – HDV (2009), El Santo del Pueblo – DV CAM (2006), Tango eterno – (corto) 35 mm (1997), Vodkla - (mediometraje) Beta SP (1995), En el alma de tu almita (corto) Beta SP (1994)

Celina Vive!: Cómo y cuándo surge la idea de la película?
Lino Pujía: “Nace en el 2008, nace en una reunión familiar en donde nos juntamos para organizar entre todos una muestra, teniendo en cuenta la experiencia que tiene mi madre, una tarea que viene haciendo durante años… A mí se me ocurrió hacer un documental, o sea, documentar toda la organización de la muestra. A partir de ahí comencé a grabar, la gente del museo, la gente de los fletes, el armado de toda la obra en el museo y luego fui juntando todas las locaciones. Y a modo de tragedia griega se construye una historia familiar, de arte, mitos y símbolos. El amor, las necesidades, los deseos, las desdichas, están plasmadas en escenas de una familia que se reencuentra para lograr un objetivo.
¿Un documental ficcionado? Más bien una ficción documentada, en el sentido que el film incluye escenas no escritas en el guión que se insertan en el relato enriqueciendo la personalidad de los personajes y dando veracidad a sus estados anímicos.
LA MUESTRA trata de la fuerza de sostener un proyecto a través del amor, la ayuda y la comprensión y también de la necesidad del artista de mostrar la obra, de mostrarse a uno mismo.
El hecho de realizarlo con mi propia familia profundiza y humaniza aún más este legado de espiritualidad y arte, en fin, de humanidad, que todos necesitamos”.

CV!: Y cuáles son las expectativas de ahora en adelante?
LP: “Después del 25 de marzo que fue el estreno en el cine Gaumont de Capital, en abril, y esto es lo que más me gusta, se verá en Chaco, Comodoro Rivadavia, Unquillo, Paraná y en otros lugares del interior del país, y por otro lado la presentación en Universidades y Centros Culturales de la provincia de Buenos Aires”.

CV!: Saldrá en formato de DVD?
LP: “La idea es sacarla en DVD para que pueda recorrer las escuelas, vamos a ver el interés que ponen los distribuidores”.

CV!: Una historia bastante original, en donde el amor empuja y trabaja a favor de un objetivo
LP: “La película en sí cuenta como una persona de cualquier profesión, en cualquier lugar del mundo, se enfrenta a un montón de complicaciones cuando desea lograr un objetivo, pero en este caso, al fin, consigue hacerlo, con bastante tenacidad y fuerza de voluntad, y principalmente con la ayuda de sus seres queridos. LA MUESTRA se estrenó mundialmente en el Festival Internacional de Montreal (Canadá), se presentó también en Valladolid (España), Londres (Inglaterra) y en Cleveland (EEUU). Por suerte tuvo una buena aceptación y lo que más llamó la atención a casi todos, fue la producción, el hecho de utilizar las esculturas originales de mi padre”.


Entrevista: Carlos Romano

entrevista: Gabo Ferro

Independiente e iluminado

Gabo Ferro nació y vive en Mataderos, desde muy temprana edad se sumergió en el mundo de la música. Además de músico es poeta, historiador y durante algunos años fue docente universitario.
Comenzó a hacerse conocido en la escena under de Buenos Aires como líder de la banda de hardcore Porco, con quienes grabó dos discos: Porco (1994) y Naturaleza Muerta (1998). Sin embargo, un día de 1997 abandonó la banda en pleno recital para dedicarse a estudiar Historia.
En 2005 reapareció en la escena con un álbum llamado Canciones que un hombre no debería cantar, grabado en un día y compuesto en quince. Realizó una gira por el circuito universitario de Estados Unidos, con el nombre de “Pobre pero honesta USA tour”. Debido a la repercusión de su primer disco, un año después editó Todo lo sólido se desvanece en el aire su segundo álbum solista. Ese mismo año ganó el premio Clarín como Revelación Rock. Luego realizó una nueva gira, esta vez, a la costa oeste de EEUU. En el año 2007 realizó la tercera “Pobre pero honesta USA tour” y el 21 de septiembre editó su tercera producción discográfica, Mañana no debería seguir siendo esto.
En 2008 editó su cuarto álbum, Amar temer partir, su primer DVD de un show en vivo y su primer libro Barbarie y civilización: Sangre, monstruos y vampiros durante el segundo gobierno de Rosas (1835-1852), su tesis de maestría en Investigación Histórica, libro ganador de la mención honorífica del Fondo Nacional de las Artes. Y este año apareció su segundo libro Degenerados, anormales y delincuentes. Gestos entre ciencia, política y representaciones en el caso argentino (2010).
En 2009 vio la luz su quinto álbum, Boca arriba.
Participó también de "Four Walls, la niña del enfermero" obra de Carlos Trunsky producida por el Teatro Colón con Haydée Schvartz (piano), Gabo (cantante y actuación), Leandro Tolosa y María Kuhmichel (danza) ganadores del Premio Clarín como mejor obra de danza.
Un día muy frío de este invierno 2010, nos encontramos con Gabo, en un bar legendario de Callao y Corrientes, y hablamos de varios temas, por sobre todas las cosas coincidíamos en que “uno es lo que come”, sin entrar en la pregunta: Cuáles fueron tus influencias?, Gabo decía:“Lo mío es una síntesis de todo lo que me influye... La literatura, la pintura, el ballet, lo que hacen los buenos coreógrafos me vuelan la cabeza, todo eso es un aprendizaje para mí, soy un tipo que tiene muchos maestros y no para de aprender... Los viejos tienen siempre algo que decir, siempre y cuando se los respete, hay viejos muy sabios...Hay gente que no me es ajena, son como mi familia, Grinberg, Lernoud, Rosso, ¿Quién hablaba de ecología en los 70? Defiendo a todos esos maestros...”
Con un nuevo disco en la calle: “El hambre y las ganas de comer”, Gabo Ferro continúa “sobre el camino”.

Celina Vive!: La infancia es ese lugar en donde todos nos nutrimos, cómo fue la tuya, qué recuerdos llegan?
Gabo Ferro: “Mi infancia fue básicamente riquísima de todo lo bueno y de algunas cosas menos buenas que puede tener un niño. Una infancia de barrio, nací y me crié en Mataderos, primero cerca de Alberdi y luego nos mudamos sobre Garzón, y había amigos netos de barrio, había fútbol y demás... Mi viejo fue durante 40 años gerente del Club Nueva Chicago, entonces en todas las actividades del Club era “el hijo de Ferro”, pero más allá de una cuestión que ahora parece ventajosa, era una cuestión cariñosa, para los temibles barra bravas era como una mascotita, tenía una vida social amplísima... Pero también, como equilibrando tenía una vida interna super rica, pasaron muchas cosas, por ejemplo un hermano mayor con problemas de salud, un accidente que tuvo mi abuela que la tuvo postrada durante un largo tiempo, no fui un niño abandonado pero hubo cosas que faltaron, entonces me dediqué a la música y a la lectura, estas dos cosas entraron juntas en mi vida... En mi “Winco” cuando me cansaba de escuchar “Pedro y el lobo” sonaban Moris, Almendra, Manal, Pappo, Los Gatos, y ahí se produjo un caldo cultural enorme, mi universo infantil era eso, mi hermano, influyó en eso, él me pasó toda su música...”.

Celina Vive!: Y esto te ayudó a ser más independiente?
Gabo Ferro: “Sí, siempre fui independiente, tengo como recuerdos muy fuertes... Y para que no se note esa cosa de independencia, hacía las cosas con una manía de perfeccionismo importante, en el colegio hacía las cosas de tal manera como que mis padres me habían ayudado, y en verdad no estaban...”.

Celina Vive!: Y qué cosas crees vos que en esa época pegaron fuerte como para estar viviendo este presente?
Gabo Ferro: “Las cosas que tienen que ver con la verdadera educación, más allá de la educación formal que tiene que ver con la escuela, la honestidad de mis viejos, el tratar con pares, mis compañeritos de escuela y del barrio, darle al éxito la definición real y no la que te trasmiten, esa cosa equivocada que éxito es igual a dinero o mayor cantidad de discos vendidos o mayor cantidad de gente que te va a ver a los conciertos o mayor número de tirada de una revista... Todo eso y la testarudez, soy testarudo, pero no caprichoso, soy testarudo cuando veo que algo puede dar frutos, voy por eso, insisto y reformulo...”.

Celina Vive!: Cómo es que desde un ambiente tan pesado, tan metido en el hardcore como“Porco”, con letras cargadas de nihilismo, pasás a un lirismo supremo con toda una carga poética?
Gabo Ferro: “Timbricamente sí, pero en cuanto a como la banda trataba de funcionar es lo mismo, llevaba mis temas a la sala tal cual como ahora los puedo tocar en vivo, es decir con una guitarra criolla, sucede que la banda no tuvo una vida tan larga o al menos tan fructífera como mi parte solista... Eso era un producto cultural colectivo, con los cánones que significa esto, el hecho de pensar como tenía que ser una banda de rock para meterla en un circuito comercial, además éramos muy jóvenes y suponíamos que las claves del éxito eran firmar un contrato con una multinacional, tocar en todos los festivales, editar discos, etc. Entramos en esa y nos agotamos, y a su vez me di cuenta que así no iba la cosa, me di cuenta que no podía decir nada más... Luego de muchos años descubrí que había que volver en otros términos, como artista, como escritor e interprete de canciones, como productor cultural... “Porco” tuvo una extensión muy poética, las letras hablaban del HIV, como una problemática juvenil, en un momento en donde el estado no hacía ninguna campaña, mi lírica en ese entonces tenía que ver con ese timbre muy duro y con lo propio de algo que estaba en esa escena... Era un proyecto muy difícil para mí y no prosperó...”.

Celina Vive!: Luego llegaría esa etapa en donde dejás la música y te dedicás de lleno a la historia...
Gabo Ferro: “Siempre me gustó saber la historia de todo, y para entender mi propia historia empecé a estudiar... Trabajé como docente hasta que la música empezó a demandarme más tiempo... Tengo recuerdos de muy niño cuando me llevaban al Cabildo y quedaba conmovido, lloraba... Había algo de lo que veía que me hacía vibrar de una manera muy particular...”.

Celina Vive!: Con “Canciones que un hombre no debería cantar”, y yo agregaría: pero sí escuchar, comienza tu vida musical solista?
Gabo Ferro: “Sí y con sorpresa... Estuve 7 años sin grabar, y en ese tiempo los métodos de grabación habían variado bastante... Por la insistencia de un amigo volví a grabar, éste me pago toda la grabación... Es un disco que hoy me sigue sorprendiendo, es un disco milagroso para mi, en menos de dos meses le devolví el dinero a mi amigo Vicente, es un disco que ya tiene 5 ediciones, tiene una edición en EEUU en CD y en vinilo... Ese disco para mí representa el “contrato” conmigo mismo, de hacer lo que crea que deba hacer y nunca lastimarme, es como el fantasma del compromiso, es para no traicionar nunca el proyecto y no dejarse tentar por ciertas ofertas, es un disco simbólico...”.

Celina Vive!: Creo que aparte de la historia, hay un tema que te atrapa y es la filosofía, lo veo reflejado en tus canciones, letras por ejemplo como “Nada”, “Cuando el amor no entra” o “Sobre el camino” por nombrar algunas...
Gabo Ferro: “Sí, pero no lo pienso desde alguna escuela filosófica, lo pienso desde una manera de crear, es decir, soy un tipo afortunado, a los 5 años tenía una guitarra en la mano y cantaba “Luna Tucumana”, a mí Yupanqui me atravesó la vida, y desde ese lugar de la filosofía, desde la perspectiva filosófica Yupanquiana es que me acerco a eso, con Yupanqui aprendimos esa cosa casi Confuciana, el hombre que se para piensa, y por que piensa, se piensa...”.

Celina Vive!: Hablamos del nuevo disco?
Gabo Ferro: “Es un disco que para mí representa un quiebre, porque al ser un tipo que le da tanta importancia a la palabra, este es un disco en el cual no tuve nada que ver con la palabra, le cedí ese trabajo a un novelista y poeta que se llama Pablo Ramos, decidí que él se encargue de eso e hicimos un disco de 13 canciones que se llama “El hambre y las ganas de comer”... Me gusta mucho retomar las cosas que en una época fueron muy valiosas, esas cosas que por moda o por no conveniencia comercial se descuidaron, por ejemplo la unión de dos artistas de distintos palos para hacer otra obra, nosotros porque estamos en un estado independiente bendito podemos hacerlo... Las letras hablan de lo que habla Pablo básicamente, si lo tengo que resumir te diría que hablan de algo que como letrista no hablo casi nunca, del desamor... Habla de una persona que ha vivido en los 80, ha vivido lo bueno y lo malo en exceso, y cuando tiene lucidez que es siempre dice, es un viejo-joven lúcido que habla, es un hombre muy viejo de 44, pero parece de 144, habla de escenarios, de paisajes, de cómo quedan las cosas después de una explosión, es como un antropólogo, define escenarios con una maestría increíble, algo que el rock argentino tuvo mucho en su primera etapa, luego llegó la fantasía, el surrealismo, y luego las letras de las canciones entraron en un nivel de devaluación, letras que no decían nada, que se yo, la cerveza, la esquina, la moto, la chica o el porro, faso, fasito... Entraron en un camino exitista, el éxito tiene que suceder rápido, “operación triunfo”, gente quizás talentosa pero se queman rápidamente... Creo que todo tiene que ver con ir quemando etapas para luego tener una maduración...”.

Entrevistó: Carlos Romano
Fotografías: Matías Stachuk